La comunicación gráfica nos ha acompañado durante toda nuestra historia: pinturas rupestres, símbolos, escritura historia del arte… pero, aunque todo esto esté relacionado y haya contribuido a la historia del diseño gráfico , es muy difícil elegir una fecha en la que el diseño aparece tal y como lo concebimos ahora. Para no retroceder demasiado en la historia, hemos decidido comenzar la historia del diseño gráfico desde finales del siglo XIX, un buen punto de partida para poder comprender los acontecimientos, principales corrientes y algunos artistas que han ayudado al diseño gráfico a ser lo que es en la actualidad.
A finales del siglo XIX la cultura occidental se enfrenta a profundos cambios a consecuencia de la revolución industrial y el desarrollo tecnológico. Las ciudades crecen convirtiéndose en urbes y los avances en la comunicación y el transporte hacen que fluyan más las ideas. La producción en masa de las industrias hace que el producto artesano pierda valor, pero en el Reino Unido llega la intención de devolver el valor al mismo por parte de William Morris y el movimiento Arts and Crafts, pero el alto coste de producción reveló la incapacidad de luchar contra los productos industriales. Aún así su influencia fue importante en todos los ámbitos del diseño. Esta tendencia pasa al resto de Europa pero alejada de cualquier tipo de compromiso social es el deseo de poseer un estilo propio que represente a los nuevos tiempos y es así como nace el modernismo.
El modernismo
El modernismo es un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX, periodo también conocido como la Belle Epoque. La Belle Epoque duró aproximadamente desde 1870 hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.
El modernismo también se conoce como Art Nouveau, Judgenstll o Secession en función de su ubicación. Intenta fusionar arte y vida, influido por la filosofía de John Ruskin y William Morris, rompiendo con anteriores movimientos como el historicismo, el realismo o el impresionismo. Utiliza elementos de la naturaleza para dar movimiento a sus obras, haciendo que el componente orgánico tenga un fuerte protagonismo. Algo que distingue a este movimiento es que sus autores trabajaban varias disciplinas. Un arquitecto, por ejemplo, no solo diseña su edificio, si no también los muebles y adornos que contendrá. Es por esto que comienzan a aparecer objetos decorativos con la firma de su creador.
Algunos autores de este movimiento son:
Alfons Mucha: este pintor y artista decorativo checo es uno de los grandes exponentes del Art Nouveau. Su estilo, muchas veces imitado, es florido y sus diseños de línea sensual donde la imagen de la mujer es siempre protagonista.
Charles Rennie Mackintosh: lo sabemos, suena a ordenador de Apple, pero fue un arquitecto y diseñador nacido en Escocia en 1868 y uno de los máximos representantes del Modern Style en su país. En sus obras destacan las figuras geométricas y las líneas rectas y ascendentes.
Peter Behrens fue pionero en el diseño de carteles, creación de logos y fuentes pero acabó buscando un diseño menos adornado, más pulcro y funcional que le permitiera la producción modular y en cadena. Sus retículas comenzaban con un círculo y un cuadrado que multiplicándose o dividiéndose se podían usar para cualquier diseño.
La escuela Bauhaus
El principio del siglo XX estuvo marcado por la Primera Guerra Mundial que comienza en 1914 con el asesinato del príncipe austriaco en Sarajevo que provocó la guerra entre Serbia y Austria-Hungría y en la que ambos bandos fueron apoyados por las grandes potencias mundiales. Terminó con la derrota de Alemania y el imperio Austro-Húngaro y la firma del Tratado de Versalles en 1919. Este mismo año, uno de los alumnos de Behrens, Walter Gropius, fundó en Weimar (Alemania)la escuela Bauhaus. ¿Te suena?
La Bauhaus fue una importantísima escuela que combinaba diseño, arte y arquitectura. Influenciados también por el constructivismo, estudiaban la forma, el color y la importancia del color en el diseño, los materiales, la composición o el espacio e intentó aportar valor estético al producto industrial para su resurgimiento después del conflicto. En 1925 la escuela se trasladó a Dessau donde creció el interés en la parte más práctica del objeto.
La Bauhaus desarrolló principios fáciles de comprender: se establecía una jerarquía tipográfica y se utilizaban líneas, barras, cuadrados y puntos para dividir el espacio y unir diferentes elementos, atrayendo así la mirada del espectador. La escuela cerró finalmente en Berlín en 1933. En la Bauhaus destacaron entre sus profesores grandes artistas como:
Kandinsky, de origen ruso. Gran pintor del expresionismo y la abstracción y un gran teórico del color y el diseño.
Paul Klee que, al igual que Kandinsky, está considerado como uno de los padres de la abstracción y uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Herbert Bayer, cuyas composiciones dinámicas con líneas horizontales y verticales fuertes (e incluso diagonales) caracterizaron su etapa en la Bauhaus. Creó la fuente universal cuyo nombre implica las aspiraciones de los nuevos principios del diseño.
Moholy Nagy cuya pasión por la tipografía y la fotografía llevó a que se hicieran experimentos importantes para unir estas dos artes.
Fuera de la escuela destacó El Lissitzky que estudió, innovó y experimentó con nuevas formas de expresión, tanto en la tipografía como en la fotografía y en el fotomontaje y su influencia en la evolución del diseño gráfico fue crucial en los primeros momentos del Movimiento moderno manteniéndose vigente hasta la actualidad.
Art Decó en Francia
Al mismo tiempo que en Alemania se desarrollaba la Bauhaus, en Francia y otros países europeos optaron por un movimiento distinto. Después de la guerra, el estilo decorativo del modernismo empezó a sustituirse por trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hablamos del Art Decó.
Este movimiento se dio a conocer en la Exposition Internacionale des Artes Decoratifs et Industriels Modernes de 1925 en París y duró hasta 1939. Las influencias provienen de diferentes vanguardias europeas, del modernismo del que evoluciona, y también del estilo racionalista y contemporáneo de la mencionada escuela Bauhaus. Además, la influencia del constructivismo ruso aportó las líneas duras y la solidez de las formas, así como la aparición de elementos monumentales en sus composiciones.
En sus diseños aparecen las innovaciones tecnológicas de su época: la aviación moderna, la iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias se expresaron en un mayor uso de formas geométricas y de la simetría. El empleo del color proviene del fauvismo. Esto es evidente en revistas, libros y pósters de la época. Destacaron los llamados “mosqueteros del cartel”:
Cassandre. Fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano. En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX. Sus carteles eran una síntesis perfecta, y nunca antes vista, de arte, texto e imagen.
Loupot, que diseñó más de 60 carteles para impresores suizos, quienes le enseñaron las limitaciones y recursos de la litografía.
Carlu del que dicen que sus trabajos son creaciones artísticas absolutas y que en su obra se puede ver la constante utilización retórica.
Colin cuyo estilo era muy personal e imposible de categorizar: la precisión de sus retratos y la fuerza de sus carteles para grandes causas lo llevó a convertirse en un maestro de la comunicación visual.
El diseño gráfico en los años 30
Durante las primeras décadas del siglo XX en Europa varios diseñadores, muchos independientes del Art Decó y la Bauhaus, hicieron aportaciones significativas a la tipografía y aparecieron grandes tipografías como Gill Sans, la Futura de Paul Renner o el movimiento Isotype creado por Neurath. Pero, sin duda, la aportación más importante fue la que hizo Jan Tschichold (1902-1974) con “La Nueva Tipografía”. En la Unión Soviética y en Alemania condenan el “nuevo arte” y artistas como Gropius, Moholy-Nagy, Bayer, entre otros deben emigrar a EEUU, pero allí las corrientes conservadoras critican duramente estos movimientos nacidos en Europa. Aunque algunos diseñadores estadounidenses reconocieron la vitalidad de estas nuevas ideas.
Tschichold fue el principal responsable del desarrollo de las teorías sobre la aplicación de las ideas constructivistas a la tipografía. Por medio de su folleto “Tipografía elemental” y de su libro «La Nueva Tipografía» explicó y dio a conocer la tipografía asimétrica a un gran número de impresores, cajistas y diseñadores. Para él la tipografía simétrica era artificial porque no daba significado a las palabras. Él era partidario de los nuevos principios de diseño asimétrico, dentro de retículas matemáticas y la distribución jerárquica de la información. Durante estos años varios diseñadores sintieron su influencia, aunque sus visiones fueron muy personales y originales. Se caracterizaban por ser diseños asimétricos y dinámicos con originales composiciones tipográficas.
Destacaron entre otros:
Herbert Mater, de origen suizo, que fue pionero de los fuertes contrastes de escala y del uso de la fotografía en blanco y negro, combinados con símbolos y zonas de color.
Piet Zwart, nacido en 1885 en Holanda, que se interesó por los fuertes contrastes que podía crear entre las formas de las letras y el espacio que las rodea para provocar ritmo y tensión en sus diseños.
En EEUU destacó Lester Beall que en el provocador entorno de la depresión trató de desarrollar formas visuales directas y estimulantes. A menudo combinaba planos de color uniforme y símbolos elementales con la fotógrafa buscando el contraste visual además del contenido informativo.
El diseño gráfico durante la guerra. Cartel bélico
En 1939 comienza el conflicto bélico más importante de la historia, la Segunda Guerra Mundial. El 1 de septiembre las tropas alemanas invaden Polonia comenzando un conflicto que terminará en 1945 con el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki. Pasada la guerra, el mundo prácticamente quedará dividido entre el bloque occidental y el comunista.
Durante el periodo de guerra, tanto durante la primera como durante la segunda, muchos diseñadores encaminan su trabajo a motivar a la población para apoyar a su país en la guerra. Con la Primera Guerra Mundial pero sobre todo, tras la revolución rusa, nace el concepto de cartel político o de propaganda, motivado por la necesidad de los gobiernos de movilizar y manipular a las masas.
El cartel bélico, principalmente durante la Primera Guerra Mundial, imitó muchas de las características de la publicidad de la época. Había carteles de tres tipos: los que animaban al reclutamiento, los que solicitaban recursos económicos y los que presentaban al bando oponente como un villano. La publicidad se llena de grises o de color, ya sea para desprestigiar al enemigo o para destacar los valores de la nación o de la propia guerra. Las ideas se presentan de una forma muy visual y comprensible para una mayoría analfabeta. Sin embargo, la aportación más importante en el terreno de este tipo de cartel se la debemos a los rusos que durante la revolución rusa emplearon las bases gráficas del constructivismo para la realización de originales carteles que, a través de imágenes y bloques sólidos de color, animaban al pueblo a la revolución.
De esta época podemos destacar la aparición de la gura del famoso Tío Sam, creado por James Montgomery Flagg.
Una de las figuras más destacadas del movimiento ruso fue Alexander Rodchenko que usaba una geometría clara, colores llamativos, textos con siluetas, tipografías contorneadas y movimiento en la composición.
La propaganda de la Segunda Guerra Mundial siguió en gran parte las líneas de la primera. Hablaban sobre la importancia de la unidad nacional, la gloria del propio país, las atrocidades del bando contrario y la necesidad de sacrificio por un bien común.
Sin embargo, en esta época los carteles han evolucionado, la imagen huye de la estética publicitaria, las figuras son más genéricas y muchos tienen un aspecto más tétrico.
Los años 50 en Suiza
Mientras la mayor parte del mundo sufría las consecuencias de la guerra surgirán dos grandes escuelas o corrientes en el diseño: una en EEUU llamada por algunos la escuela de Nueva York y otra encabezada por los suizos, denominada estilo internacional. Este movimiento tuvo dos epicentros: uno en Basilea y otra en Zurich.
El nuevo estilo nacido en este país en los años 50 llegará a ser el predominante en la historia del diseño grafico hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual. revolucionaron el mundo del diseño, especialmente el editorial. Influenciados también por el constructivismo y la Bauhaus los diseñadores de este estilo definían el diseño como una actividad socialmente útil e importante, y dejaban de lado la expresión artística y personal buscando una solución más científica y universal.
Sus tres pilares básicos son: la estructura basada en una retícula, la disposición de los elementos de forma asimétrica y el uso de tipografías sin serifa, el uso de fotografía en blanco y negro. De esta forma creaban un diseño claro y conciso.
Destacaron en este movimiento:
Emil Ruder: que fomentó el espacio en blanco y la limitación en el uso de tipografías.
Theo Balmer: que destacó por su meticuloso uso de la retícula.
Max Bill: empleo fórmulas matemáticas y geométricas para crear diseños más potentes, además popularizó la tipografía Akziden Grotesk.
Josef Muller-Brockman diseñador suizo que encabezaba la escuela de Zurich y entre sus obras más influyentes se encuentran los carteles promocionales para conciertos de esta misma ciudad.
Los años 50 en Estados Unidos
A principios de siglo fue París, después Alemania, y a mediados de siglo fue Nueva York quien se convirtió en el centro cultural del mundo y el diseño gráfico jugó un papel muy importante en ello. Esta época del diseño gráfico estadounidense iniciada con fuerte raíces europeas durante los años 40 ganó reconocimiento internacional por sus originales puntos de vista en los años 50 y continuando hasta hoy.
Mientras el diseño europeo era teórico, y sumamente estructurado, el diseño estadounidense era intuitivo y más informal en su enfoque para organizar el espacio y por eso dictaron su propia forma de diseño moderno. Se puso énfasis en la expresión de ideas y en la presentación abierta de la información. Se valoraba mucho la novedad en la técnica y la originalidad del concepto y buscaban resolver los problemas de comunicación a la vez que satisfacer una necesidad de expresión personal. Lubalin la llamó la Escuela Estadounidense del Expresionismo gráfico.
Esta escuela influyó mucho en la historia del diseño gráfico y destacaron:
Paul Rand. Padre del diseño moderno americano. Rand demostró que incluso el más simple de los objetos lleva varias capas de significado. Tenía un talento especial en la creación de símbolos gráficos originales, dueños de un encanto e ingenuidad que comunican efectivamente con el público.
Saul Bass, muy conocido por sus créditos de cine y algunas de loslogotipos más importantes de Estados Unidos. Característico de su trabajo fue la simplificación de la forma hasta conseguir un poderoso símbolo gráfico que domina la composición. Su lenguaje gráfico, si bien minimalista, posee una gran cualidad plástica, lograda con el uso del papel cortado a mano, pinceladas descuidadas o escritura manual
Los años 60 y 70 en Europa
Los años 60 y 70 se caracteriza por un periodo de fuertes tensiones políticas entre los Estados Unidos y la URSS iniciados después de la 2GM, la “Guerra Fría”. Derivará en varios acontecimientos importantes, como la carrera espacial o la guerra de Vietnam. La población no aprueba las decisiones de sus gobiernos provocando importantes revoluciones sociales y culturales en EEUU y en Europa.
Polonia pasó de ser un país independiente a ser casi destruida por los nazis durante la guerra y posteriormente a tener un gobierno comunista. Francia es un hervidero de nuevas ideas y movimientos juveniles y en Inglaterra las crisis, las altas tasas de paro y la aparición de grupos como el IRA crean en la población juvenil un fuerte sentimiento de nihilismo y rebelión contra el sistema. La inestabilidad política tendrá una gran influencia en los artistas y en la historia del diseño grafico.
Los artistas polacos buscan en sus carteles una identidad propia. Su estilo tiende en gran parte al surrealismo y tienen una preferencia clara por el collage. No buscan vender, sino que usan el diseño para promocionar eventos culturales y los clientes son las propias instituciones. Esta libertad de acción les permite crear obras que serán de gran influencia en el resto de Europa en los años venideros, como por ejemplo en Francia.
En Francia el diseño tiene un fuerte componente político y de protesta, y su mensaje, fruto de un profundo ejercicio intelectual, pretende hacer reflexionar a la población.
En Inglaterra el ansia de libertad se manifiesta en la estética punk que rompe con los elementos del diseño creando un lenguaje crudo y en parte dadaísta, caracterizado por el collage y el uso de colores estridentes.
En Francia destaca el estudio GRAPUS dedicó su actuación, entre los años 1971 y 1991 al diseño de carteles de carácter insólito sobre temas sociales y políticos. Se caracterizaron por el uso de símbolos reconocidos en la memoria colectiva del público, combinadas de forma contradictoria con el objetivo de crear un malestar en el espectador y así llamar su atención. Sus carteles de gran creatividad artística, son herederos de esta libertad de acción del diseño polaco.
En Inglaterra, pondremos como ejemplo los carteles de Jamie Reid. Jamie Reid es un artista inglés nacido en 1947 y totalmente ligado al movimiento punk. Se caracteriza por el uso de textos a base de recortes y las imágenes provocativas en contra del sistema. Colaboró con la mítica banda “Sex Pistols” en la portada de sus álbumes.
Años 60 y 70 en Estados Unidos
Y en estos momentos, ¿Qué se cuece en Estados Unidos? Recordemos que nos encontramos en plena guerra fría y sus tropas se encuentran en Vietnam. En su país, los jóvenes crean movimientos antibelicistas y feministas y nacen nuevas culturas como los hippies y los beatniks. ¿Y qué pasa con el diseño? Estamos en una época de grandes avances tecnológicos, la televisión es el medio de comunicación por excelencia y comienza la edad de oro de la publicidad, consolidándose muchas de las grandes empresas del sector.
En este periodo gana fuerza el expresionismo gráfico, que juega con la forma de las palabras para expresar una idea. Se perfeccionan las técnicas de expresión gráfica como la fotografía, la infografía o la fotocomposición con la ayuda de los primeros programas de ordenador. Pero esto no acaba aquí. La cultura juvenil ha creado sus propios valores, su música y esta forma de vida necesita una nueva estética, caracterizada por las caligrafías psicodélicas y distorsionadas, las formas simplificadas y el uso del color.
Dentro de este género encontramos a Milton Glasser Sus obras durante los 60 utilizaban la línea negra de contorno y añadía después gran cantidad de color. Sus imágenes fueron imitadas muchas veces, pero él siempre consiguió soluciones innovadoras con sus diseños.
Con un estilo completamente distinto tenemos a Lubalin, nacido en Nueva York en el 1918. Fue uno de los innovadores tipógrafos americanos, atreviéndose a explotar las posibilidades de la tipografía jugando con forma y significado.
Historia del diseño gráfico durante los años 80
A partir de los años 80, los ordenadores personales y los nuevos programas informáticos gráficos ofrecieron a los diseñadores la oportunidad de jugar con la relación del texto con la imagen. La aparición de Internet supone la globalización de la información y una gran revolución en la comunicación. La sociedad de consumo comenzó a forjarse a principios de siglo y la cultura popular ya domina el campo visual. La era digital trajo consigo cambios en la percepción del espacio y la composición abriendo paso a un nuevo lenguaje gráfico con nuevas posibilidades para la tipografía y las imágenes.
En EEUU el New Wave de California utilizó la tecnología fotográfica y electrónica para realizar diseños más informales. Cuestiona el uso de la retícula para buscar mayor expresividad y, a pesar de romper con las reglas del Estilo Tipográfico Internacional, este estilo mantuvo la letra de palo seco y el carácter geométrico y angular del diseño, lo que provocó que muchos lo considerasen una evolución en vez de una ruptura. Gana poder la fotocomposición y la unión entre texto e imagen.
Wolfgang Weingart, padre del nuevo estilo que partiendo del estilo suizo comenzó en los 70 considerando que el texto pulcro y ordenado no servía de mucho si no despertaba el interés del espectador a leerlo. Apostaba por la expresividad para mejorar la comunicación, realizando ciertas modificaciones en la letra.
Destaca April Greiman, reconocida por ser de las primeras diseñadoras en incorporar el ordenador como herramienta de diseños. Su concepción del diseño concibe la página como si esta fuera un espacio tridimensional donde los elementos se mezclan felizmente sin jerarquías y en un complejo orden.
Otro diseñador que ha destacado al final del siglo es Neville Brody, diseñador y tipógrafo inglés. Su trabajo revolucionó el diseño editorial con el uso atrevido del espacio en blanco fotografías impactantes unida a una tipografía transgresora de cualidades plásticas que llegó a transformar en símbolos abstractos.
David Carson: para él, un buen diseño es aquel que provoca una reacción en el receptor, por lo que su trabajo se basa más en la intuición que en el pensamiento. Creaba páginas de escasa legibilidad, pero con composición gráfica exquisita y una estética sucia convirtiéndole en una figura del movimiento Grunge.
Durante el siglo XX los medios de comunicación adoptaron nuevas formas y cada nueva técnica aportó al diseñador un control mayor sobre el proceso gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Pasados los años 80 el diseño gráfico se metió de lleno en la conciencia popular y empezó a formar parte de la vida cotidiana de la gente la televisión omnipresente en todos los hogares comenzó a usar diseño para créditos de series, programas o videoclips
No se puede negar que a finales de siglo las nuevas formas de comunicación de la era digital, como es el caso de internet han contribuido a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial yendo un paso más con la creación y diseño de páginas web.
La era digital que empezó en los años 80 cambio el papel por la pantalla y sobre todo la forma de relacionarnos con las imágenes o el texto, pero las bases del diseño gráfico que nos permiten transmitir información de manera efectiva e impactante son las mismas que comenzaron a escribirse 100 años atrás y que fueron enriqueciéndose a través del tempo en un continuo y constante diálogo.
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